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martes, 28 de junio de 2016

Scott Joplin, el rey del Ragtime: negro, genio, maestro y visionario. Scott Joplin con el Rag quiso competir con la música culta europea, se adelantó a su tiempo. Historia del Jazz. Parte V




Scott Joplin, el rey del Ragtime: negro, genio, maestro y visionario

Scott Joplin con el Rag quiso competir con la música culta europea, se adelantó a su tiempo. Historia del Jazz. Parte V



Por:    Jaime Del Castillo Jaramillo








Anotemos en piedra que, la legítima predecesora del Jazz no fue otro que el Ragtime, el mismo que opacaba al mismo Blues, superando incluso la influencia de éste último. Y tanto era así, que en la misma Nueva Orleans, y en los orígenes o en los albores, decir Jazz o Ragtime casi era lo mismo.


Tampoco se debe olvidar que el legendario Jelly Roll Morton sentenciaba que los grandes pianistas de jazz de los años 30’, tales como Fats Waller y/o Art Tatum, eran ordinariamente “pianistas de ragtime de un tipo muy fino”.





Vale decir, no había una firme, clara y contundente división entre ambos famosos géneros, y estamos a inicios del siglo XX, e inclusive la confusión bajo comento, supervivió aun cuando ya se había establecido la potente era del swing y las big bands.



En verdad de verdades, el ragtime es el imperio y el dominio del piano, tanto en su forma de composición como en el peculiar estilo de interpretación instrumental pianística por antonomasia.



En verdad de verdades, el Ragtime se puede identificar por sus originales y sui géneris técnicas de teclado, sobre todo y ante todo, por el bajo de la mano izquierda, que golpea inmisericorde y a dedos acerados y tensos sobre los tiempos fuertes, y simultáneamente, las maravillosas y excepcionales síncopas de la mano derecha pianística.




Las síncopas pianísticas de la mano derecha son el sello y el ADN del Ragtime, y eran el frente de fachada y el impacto sobre el oído, y tanto así que se creaban líneas melódicas completas en base a la repetición de estas figuras sincopadas de la referencia, y este sonido peculiar y pletórico y alegre, en verdad que pocos vocalistas se atrevían a cantarlo, y menos aún querían intentarlo, por pienso.



Pero, también debemos tener muy presente que, el famoso bajo de la mano izquierda pianística del Ragtime fue muy influyente y paradigmático, ya que estuvo presente en toda una generación de pianistas de jazz.



Ragtime, es un término que procede  de ragging o ragged time (tiempo o ritmo irregular) y eso fue fijado para el siglo XIX, y quedó como el nombre estelar de este maravilloso y original género musical.





El género del ragtime se lee musicalmente ya, y en sendos impresos y para la primera mitad del siglo XIX; y se valida como la pionera pieza impresa de ragtime el tema “Mississippi Rag” (1897), y que fuera compuesta por William Krell, nacido en mayo de 1868, en Tamaqua, Pensilvania, y fallece para 1933, en Miami, Florida.



Ese mismo año de 1897, el gran Tom Turpin Thomas Million John Turpin célebre compositor y pianista de ragtimes, quien naciera un 18/11/1871, en Savannah, Georgia, y fallece un 13/8/1922, en San Luis, Misuri, el mismo que se erige como el primer compositor negro con su obra: “Harlem Rag”.




Culminando ese luminoso año de 1897, empieza a descollar el buen Ben Harney o Benjamin Robertson quien naciera un 6/3/1872, en Estados Unidos, y fallece un 2/3/1938, en Filadelfia, Pensilvania, y quien fuera el célebre publicista creador de un método Rag Time Instructor, siendo la pionera de posteriores métodos y obras pedagógicas que colmarían la sed del gran público que quería aprender y dominar esa nueva, alegre y seductora música.






Ya en el revolucionario siglo XX, la pasión por el ragtime lindaba con la locura, y por cierto los envidiosos y malquistos y los intereses en juego, decidieron atacar y salieron con todo, incluyendo colmillos en ristre, embistieron al popular y engreído Ragtime. Y con odio afirmaron los detractores: “Los días del ragtime están contados”, sentenció categóricamente la revista Metronome. No solamente eso, también afirmaron que: “Lamentamos que a alguien se le pudiese ocurrir que el ragtime tuviese la más mínima importancia musical. Fue una oleada popular en la dirección equivocada.”




Y por si fuera poco, aquel mismo año, la Federación de Músicos Americanos dispuso que sus agremiados desistiesen de tocar ragtime, argumentando sorprendente y curiosamente que “los músicos sabemos lo que es bueno, y si la gente no lo sabe tendremos que enseñarles”.


Como es muy fácil de suponer, y se comprueba: la popularización musical del término Rag provocó que fuera objeto de uso y abuso excesivo y erróneo,  llamándose entonces Rag a muchas manifestaciones y expresiones musicales que no tenían mucho que ver con el auténtico y legítimo y tantas veces mencionado: Rag.





El Rag era música para piano por antonomasia, y esta buena y nueva música emerge aparejada de la creciente popularidad de la adquisición de pianos para los hogares estadounidenses, y alrededor del inicio del siglo XX. Y solamente para citar un dato esclarecedor: anotemos que entre 1890 y 1909 la producción total de pianos en toda Norteamérica aumentó desde las modestas cifras de 100,000 pianos hasta más de 350,000 instrumentos musicales anuales, y específicamente el mismo año de 1909 significó un singular y único récord no solamente en la producción de las blancas y las negras, sino también fue simultánea la producción de composiciones de ragtime y publicadas.




No solamente eso, para 1911 ya se verificaban 295 industrias o fabricantes de pianos que habían hecho pingües negocios en los Estados Unidos, y paralelamente se verifican otras 69 empresas que fabricaban piezas y elementos de recambio para pianos.





Y en línea paralela, avanzaba la venta de pianolas, las mismas que también fueron las preferidas en los hogares y lugares de reunión en los Estados Unidos. No solamente eso, para el musical y fructífero año de 1897 que ya comentamos ut supra, no solamente brilló el Ragtime, sino también la pianola de salón Angelus: que fuera el primer instrumento pianístico que incluyó sendo mecanismo neumático para la pulsación de las teclas, invención que fue muy aplaudido, y se vendieron auspiciosamente las pianolas en  pleno año de 1919; no olvidemos que las mencionadas pianolas eran la mitad de la producción de la industria pianística norteamericana.





Como es muy normal, el arte musical del ragtime también emerge en un circuito geográfico pequeño. Así fue el nacimiento del blues rural a las orillas del delta del Mississippi, y como también nacería el jazz primevo en Nueva Orleans; como no podía ser de otra forma, el primer ragtime alcanzó su cenit en Missouri al ingresar al siglo XX.




Es bueno precisar aquí, que brillaron las ciudades como St. Louis, Carthage y Sedalia, entre otras poblaciones cercanas, toda vez que contaron con un gran abanico de compositores de rags, acompasados con avaricioso grupo de editores musicales que repararon en las riquezas que podían amasar aprovechando el excepcional talento de los compositores que tenían a mano.



En Sedalia, que era una ciudad con importante punto ferroviario, y que vivía un boom comercial y económico muy importante, tanto así que casi se convierte en la capital del Estado, ahí fue que sentó sus reales el gran Scott Joplin, quien nació en Texarkana, Texas, un 24/11/1868, y fallece en Manhattan, Nueva York, un 1°/4/1917, y quien fuera compositor y pianista estadounidense, destacada figura y dentro de las más importantes en el desarrollo del ragtime clásico.




Joplin quería obtener para el Ragtime un estatus similar al de la música seria y cultra europea, así como la posibilidad de crear composiciones parecidas a las óperas y sinfonías, y trabajó muy duro para ello, lamentablemente no tuvo ni los recursos ni el apoyo pertinente, y su puesta en escena de su ópera no fue bien recibida, tuvo que pasar muchas décadas y después de su fallecimiento, para que recién se valore el gran trabajo de este importante músico negro, tan es así que se le otorgó el Premio Pullitzer post morten en honor a su gran obra musical de Rag.




Joplin procedía de familia de obreros músicos del noreste de Texas, y creció en Texarkana, donde logró armar un cuarteto vocal, y además enseñó mandolina y guitarra. Viajó por el sur de EE.UU., y luego se trasladó a Chicago con el objeto de estar presente en la Feria Mundial de 1893, la misma que ayudó a popularizar el ragtime para el venturoso año de 1897.



Para 1894 ya se había trasladado a Sedalia, Missouri, donde se desempeñaba como profesor de piano; ahí agrupó y les enseñó a los futuros compositores de ragtime: Arthur Marshall o Arthur Owen Marshall, nacido el 20/11/1881, en Misuri, y fallece un 18/8/1968, en Kansas City, Misuri; Scott Hayden nacido un 31/3/1882, en Sedalia, Misuri, y fallece un 16/9/1915, en Chicago, Illinois; y Brun Campbell, nacido un 26/3/1884, en Oberlin, Kansas, y fallece un 23/11/1952, en Venice, Los Ángeles, California.





Para 1895, Joplin ya publicaba música, y logró celebridad completa con el: Maple Leaf Rag que le redituó bien ganada fama para 1899. Y andando el año de 1901 se traslada a la ciudad de St. Louis, donde tuvo intensa actividad musical, y también desazones, tal fue así, que hasta le confiscaron la partitura de su primera ópera: Un Invitado de Honor, por materia de deudas.



Para 1907 Joplin viaja a Nueva York con el objetivo de encontrar productores o empresarios para una nueva ópera, se trataba de su segunda ópera: Treemonisha, que no tuvo suerte en su primera puesta en escena parcial del año 1915. El público no estaba preparado para su gran genio musical, y tampoco tuvo los recursos suficientes para hacer una gran puesta en escena.




Para 1916 el buen Joplin que fuera contagiado de sífilis, acusó demencia, y se internó en un psiquiátrico, para 1917 fallece tres meses después de su internamiento, y muy joven, recién tenía 49 años. Con Joplin murió el ragtime como tendencia, y se transforma posteriormente en otros estilos como el stride, jazz, y eventualmente swing de Big Band.





Joplin tuvo un gran editor musical en Sedalia y que le tuvo mucha fe: John Stark, y quien fuera también principal y gran defensor del ragtime en general y de Scott Joplin en particular.



  

No olvidemos que tanto el editor Stark, como Joplin y su alumno Hayden se mudaron a la ciudad de St. Louis, bullente ciudad que apreciaba el ritmo del rag en esos años que causó furor. Entre los compositores de dicha ciudad, se destacaba Louis Chauvin, nacido en San Luis, Misuri, un 13/3/1881 y fallece en Chicago, un 26/3/1908, trascendente pianista con excepcional talento, aunque se le conocen pocas composiciones, también descollaron Tom Turpin o Thomas Million John Turpin que nació un 18/11/1871, en Savannah, Georgia, y fallece un 13/8/1922, en San Luis, Misuri, y Artie Matthews, quien nace un 15/11/1888, en Braidwood, Illinois, y fallece un 25/10/1958.






En la ciudad de Carthage (Missouri), destacó James Scott o James Sylvester Scott quien fuera compositor y pianista; el buen Scott fue artesano y produjo obras de calidad; nació un 12/2/1885, en Neosho, Misuri, y fallece un 30/8/1938, en Kansas City, Misuri.



Scott dejó relevante abanico de obras de ragtime, muchas de ellas fueron grabadas y publicadas por la tienda de música (Dumars) en la que trabajó el mencionado compositor Scott, quien se inició limpiando pisos y ventanas, y posteriormente fue contratado como compositor.




Scott también fue ayudado y beneficiado con las ediciones del especialista Stark, con composiciones muy relevantes y de estilo único, solamente superadas por el maestro Joplin.




Bueno es dejar sentado aquí que, los grandes compositores del Rag Clásico tuvieron su sede antes o después en Missouri, y el caso de Joseph Lamb o Joseph Francis Lamb, --importante pianista y compositor--, fue que, es el único músico de raza  blanca del grupo llamado Big Three. Llegó a publicar 12 rags entre 1908 y 1919 y, al fallecer aparecen 24 composiciones más, en condición de inéditos. Lamb, nace un 6/12/1887, en Montclair, Nueva Jersey, y fallece un 3/9/1960, en Brooklyn, Nueva York,





De hecho, el más grande, destacado y descollante compositor de Rag Clásico fue Scott Joplin, sin lugar a dudas.



 (Fin de la quinta parte)


Lima,  28 de junio del 2016

Jaime Del Castillo Jaramillo

Abogado egresado de la U.N.M.S.M. con más de 25 años de ejercicio profesional y cuenta con estudio jurídico abierto; politólogo con más de 20 años de ejercicio profesional; periodista, fundador y director del programa radial y televisivo ‘Yo, Sí Opino’ (censurado en TV y cerrado cinco veces en radio); Maestría en Ciencia Política con la tesis “Pensamiento Político peruano insuficiente y epidérmico causa de nuestro subdesarrollo político”; Post Grado internacional en Ciencia Política otorgado por la UCES – Universidad de Ciencias Empresariales y Sociales de Buenos Aires-Argentina graduado con la tesis: “Crisis terminal de los Partidos Políticos en el Perú”; catedrático universitario de ‘Historia del Pensamiento Político”, “Filosofía Política”, “Metodología de la investigación en Ciencia Política”, “Realidad Nacional”; “Análisis Político”, “Ciencia Política”, etc.; blogger, comunicador social, articulista y conferencista.
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Presidente del Congreso de la República Luis Iberico cometió grave injusticia y perjuicio infinito al reconocido intelectual y jurista el ex parlamentario andino Juan Mariátegui

lunes, 27 de junio de 2016

Audios de “Salsa con Causa” del Dr. Jaime Del Castillo, emitido el lunes 27/06/16 por Mambo Inn Radio, la mejor marca en el estudio, difusión y culto de la Salsa y del Latin Jazz en Perú, ganadora absoluta de premios internacional de Salsa 2015: “Mujeres como tú” interpreta Afinke Orquesta de Percy Larenas, reciente grabación; “Mami me gustó” canta Ibrahim Ferrer con Buena Vista Social Club; “Guaguancó del Típico” interpreta el Septeto Habanero; “Batman baila boogaloo” interpreta José Fajardo y su Charanga; “Disfrutemos” interpreta Gilberto Díaz y su conjunto Los Profesionales, de Miami; “Mi guaguancó” interpreta Joe Pappy y su combo; “Frío en el alma” excepcional bolero que canta Chivirico Dávila; “Llegaste tarde” canta el gigante cubano Orlando Guerra 'Cascarita'; “Simón” canta Leo Casino con la orquesta de Willy Rodríguez; “Azure” interpreta Charles Fox y su orquesta, pianista, compositor, arreglista y director de orquesta que ganó un oscar, ganó Grammy a mejor tema del año, y gano dos Emmy por música de programas televisivos, y es un pianista y músico superior a Eddie Palmieri; “Que bonito es” canta Alain Perez de Cuba, acompañada por la extraordinaria trompetista Maité Hontelé; “Agua Dulce” interpreta la orquesta de Armando Boza, grabado con el sello Sono Radio de Perú; “Samba Malandó” canta Carlos Miranda, con Los Guapos del Perú; “12 cascabeles” interpreta la orquesta Los Satélites de Venezuela; “Para gozar candela” canta Daniel Santos con su Conjunto; “Tiburón de agua dulce” interpreta Jorge Herrera y su orquesta de Colombia; “Me voy contigo” canta Félix Valoy con la orquesta de Adalberto Álvarez y su Son; “Favela” interpreta Clare Fischer y su orquesta; “Para los bravos” interpreta la orquesta La Tropicana, de Eldy Tor; “Esto si se llama querer” canta Angel Luis Silva 'Melón' con el conjunto de Johnny Pacheco; “Camela mía” interpreta Tata Vásquez y su Cucumay; “Vamos para bailar” canta Ismael Quintana, con la orquesta de Eddie Palmieri; “Yo traigo Boogaloo” autoría de Alfredito Linares, canta Charlie Palomares con el Combo de Pepe de Perú; y mucho más




Audios de “Salsa con Causa” del Dr. Jaime Del Castillo, emitido el lunes 27/06/16 por Mambo Inn Radio, la mejor marca en el estudio, difusión y culto de la Salsa y del Latin Jazz en Perú, ganadora absoluta de premios internacional de Salsa 2015: “Mujeres como tú” interpreta Afinke Orquesta de Percy Larenas, reciente grabación;         “Mami me gustó” canta Ibrahim Ferrer con Buena Vista Social Club; “Guaguancó del Típico” interpreta el Septeto Habanero; “Batman baila boogaloo” interpreta José Fajardo y su Charanga; “Disfrutemos” interpreta Gilberto Díaz y su conjunto Los Profesionales, de Miami; “Mi guaguancó” interpreta Joe Pappy y su combo; “Frío en el alma” excepcional bolero que canta Chivirico Dávila; “Llegaste tarde” canta el gigante cubano Orlando Guerra 'Cascarita'; “Simón” canta Leo Casino con la orquesta de Willy Rodríguez; “Azure” interpreta Charles Fox y su orquesta, pianista, compositor, arreglista y director de orquesta que ganó un oscar, ganó Grammy a mejor tema del año, y gano dos Emmy por música de programas televisivos, y es un pianista y músico superior a Eddie Palmieri; “Que bonito es” canta Alain Perez de Cuba, acompañada por la extraordinaria trompetista Maité Hontelé; “Agua Dulce” interpreta la orquesta de Armando Boza, grabado con el sello Sono Radio de Perú; “Samba Malandó” canta Carlos Miranda, con Los Guapos del Perú; “12 cascabeles” interpreta la orquesta Los Satélites de Venezuela; Para gozar candela” canta Daniel Santos con su Conjunto; “Tiburón de agua dulce” interpreta Jorge Herrera y su orquesta de Colombia; “Me voy contigo” canta Félix Valoy con la orquesta de Adalberto Álvarez y su Son; “Favela” interpreta Clare Fischer y su orquesta; “Para los bravos” interpreta la orquesta La Tropicana, de Eldy Tor; “Esto si se llama querer” canta Angel Luis Silva 'Melón' con el conjunto de Johnny Pacheco; “Camela mía” interpreta Tata Vásquez y su Cucumay; “Vamos para bailar” canta Ismael Quintana, con la orquesta de Eddie Palmieri; “Yo traigo Boogaloo” autoría de Alfredito Linares, canta Charlie Palomares con el Combo de Pepe de Perú; y mucho más, en nuestros comentarios, críticas y posiciones; y no te olvides que estás invitado a unirte a nuestro grupo salsero, entra a la siguiente dirección electrónica en Facebook, https://www.facebook.com/groups/824597710920059/        
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Tanto tienes tanto vales … Perú se negociará en el Hemiciclo fujimorista-ppkausista. Fujimorismo hará más y más negocios de todo tipo y suciedad, y los PPKausistas no tienen otra opción porque también creen en el ‘libre mercado’



Tanto tienes tanto vales … Perú se negociará en el Hemiciclo fujimorista-ppkausista. Fujimorismo hará más y más negocios de todo tipo y suciedad, y los PPKausistas no tienen otra opción porque también creen en el ‘libre mercado’. Mi artículo en el portal madrileño @Neupic


Tanto tienes tanto vales … Perú se negociará en el Hemiciclo fujimorista-ppkausista

Fujimorismo hará más y más negocios de todo tipo y suciedad, y los PPKausistas no tienen otra opción porque también creen en el ‘libre mercado’




Acaba de denunciar la prensa grande y a todo bombo y a toda imagen, el descubrimiento de privada reunión en un conocido restaurante limeño, de cierto y recientemente electo parlamentario del partido de gobierno PPK con un conocido hombre fuerte del fujimorismo duro y sucio de los años 90’, hombre nefasto y cercano a Vladimiro Montesinos y a la prensa mafiosa del fujimorato gobernante.




Y es que en verdad de verdades, mucho había demorado ese tipo y laya de noticias espantosas y escandalosas que se vendrán en cascada incontenible en breve, después del 28 de Julio, cuando juramente ante el Congreso de la República el flamante Presidente del Poder Ejecutivo PPK; tristes y desalentadoras noticias de arreglos y negociaciones parlamentarias en contra de los intereses del Perú, y que muchas serán ocultas, (previo pago de cupos), por la prensa corrupta, y denunciadas públicamente cuando convenga a los grupos económicos y financieros vinculados a los grupos mediáticos o Prensa Grande.



Es que nada bueno podemos esperar en modo alguno del nuevo Parlamento, nada bueno ni edificante, así de tajante y de categórico, toda vez que el fujimorismo como el ppkausismo son hijos procedentes de la misma placenta, son mellizos ungidos y adorados y de la misma madre: el libre mercado.



Hablemos claro y a calzón quitado como decimos en Perú: Fujimorismo es la expresión del neoliberalismo salvaje, asesino, socio del demencial terrorismo, narcotraficante y dictatorial, eso está muy claro y muy conocido; y el ppkausismo es la expresión del neoliberalismo tecnócrata, del lobista, del banquero, del minero y del empresario sin escrúpulos. En suma: Fujimorismo y ppkausismo son lo mismo, son liberales o neoliberales o fieles creyentes y fundamentalistas agresivos y con colmillos en primer plano en la defensa del sacrosanto ‘Libre Mercado’, hablemos claro.



Por lo tanto, qué de bueno podemos esperar de los liberales o neoliberales o comerciantes del fujimorismo y del ppkausismo en el parlamento sin son una y la misma cosa: Pues nada bueno.




Y es que en verdad de verdades, ni al fujimorismo ni al ppkausismo les interesa el Perú en modo alguno, salvo si es para hacer negocios personales, familiares o de sus grupos corporativos, seamos claro, y hablemos sin ambages.



Y es que en verdad de verdades, pedirles patriotismo, defensa de los valores nacionales y respeto a nuestras tradiciones más caras de importancia nacional, es pedir peras al olmo, porque tanto el fujimorismo como el ppkausismo solamente hacen negocios y más negocios, y amparados por la sacrosanta y bendita e intocada: ‘Ley del Mercado’, tanto tienes, tanto vales, hablemos claro.



En consecuencia el Parlamento con el fujimorismo en mayoría y el ppkausismo en el ejecutivo convertirán al hemiciclo venidero: en Wall Street cholo, lo convertirán en el mercado central o en la feria a precio barato, el parlamento en verdad de verdades será pues el punto de venta del Perú. Y obviamente, que habrán ciegos, sordos y mudos que nada verán, nada oirán y nada hablarán, me refiero a muchas instituciones estatales o republicanas que mirarán al cielo y silbarán, y la prensa grande actuará de acuerdo a los montos y cupos negociados.


Todo lo demás será shows, cortinas de humo y distracciones que aumentarán en la prensa grande, para que la peonada siga aplaudiendo y divirtiéndose. Hablemos claro.

miércoles, 22 de junio de 2016

Blues: el podio para el lamento o la picardía sexual. Bessie Smith fue condenada por usar famosas letras de blues con doble sentido sexual; en Cuba también hicieron lo mismo. Historia del Jazz. Parte IV






Blues: el podio para el lamento o la picardía sexual


Bessie Smith fue condenada por usar famosas letras de blues con doble sentido sexual; en Cuba también hicieron lo mismo. Historia del Jazz. Parte IV




Por:    Jaime Del Castillo Jaramillo






El blues tiene sus orígenes más remotos en el siglo XIX, y fueron los primevos y originales: los country blues, los mismos que emergen en los años veinte decimonónicos. Y los créditos se otorgan creo, sin discusión alguna, a las primeras grabaciones conocidas y se puede decir modernas, de músicos como: Robert Leroy Johnson ‘El Rey del Blues del Delta’ (Hazlehurt, Misissipi, 8/5/1911- Greenwood, Misissipi, 16/8/1938), “Blind” Lemon Henry Jefferson, ‘Rey del Country Blues’  (Coutchman, Texas, 24/9/1893- Chicago, Illinois, 19/12/1929), Charlie Patton ‘El Padre del Delta Blues’ (4/1891, Bolton, Misisipi -28/04/1934, Indianola, Misisipi), Son House o Eddie James House Jr., (Lyon, Misisipi 21/3/1902- Detroit, Míchigan 19/10/1988), y Leadbelly o Huddie William Ledbetter (Mooringsport, Luisiana 20/1/1888 - Nueva York, 6/12/1949), entre otros.



“Blues” en el idioma inglés, significa cualquier canción que manifieste tristeza o congoja; pero musicalmente: blues, es estructura dividida en segmentos de doce compases, y basada en armonías de tónica dominante y subdominante. Famosos y célebres son los blue notes donde que en los primeros blues se usaba tanto de la tercera mayor como de la menor en la línea vocal unido a la séptima disminuida; para otros, la quinta disminuida, esa usanza tuvo más tarde la misma importancia que la blue note.



Esta característica y personalidad única del Blue Note, es un efecto musical que no se puede manifestar en la notación, sin embargo es uno de los sonidos más lastimeros de la música del siglo XX, y de ahí su originalidad, autenticidad, especificidad y autonomía musical. Obviamente, que la potente riqueza y fuerza emocional del blue note trascendió del blues directamente hacia el jazz, y por cierto, para otras formas de música popular.



Originalmente, el blues usaba una estrofa-base en la que la cabeza de los versos  se exponía, y luego se repetía, y finalmente, viene seguido de otro verso que rima con los dos anteriores. Esta estructura-base musical del blues permite manifestar frontalmente y en forma clara y contundente la queja, la pena o el lamento, y además permitía la belleza de la licencia poética; además la estrofa del blues no solamente puede ocupar doce compases, sino  también doce y medio, trece, quince o incluso más.






La autonomía, personalidad, originalidad y alma del Blues, se expresa desde el mismo momento en que para un músico de la tradición europea occidental, las licencias poéticas y musicales en la extensión de la forma del Blues devienen en netamente inconcebibles e inaceptables para el músico tradicional de escuela occidental europea, al destruir frontal y radicalmente el concepto de oro, según el cual toda canción debe tener una extensión predeterminada y ésta debe ser la misma cada vez que se interprete. Eso no se obedece o no se cumple con el blues.





El Blues, por cierto, nace con otras procedencias y genes y elementos e insumos, los mismos que se hicieron música original y única, y no tenía otro destino y camino que levantarse y emerger sólidamente como género musical, precisamente por eso: por su autonomía, belleza, originalidad y personalidad propia.



En la típica música del Blues, no era importante, ni cardinal, ni fundamental, lograr compacto sonido musical de grupo, sino que, la clave de todo estaba en crear en la música del Blues, una poderosa y definida expresión personal, en la cual la métrica personalísima se hacía unidad con las pausas naturales que empleamos en nuestra rutinaria respiración y el habla.




Es bueno dejar sentado aquí que, el blues clásico comenzó a tomar elementos del mundo del jazz, y eso se debió a que muchos músicos se iniciaron tanto en el Blues como en el Jazz, así mismo, no se puede soslayar la influencia que ejerció también los minstrel shows, el circo, el espectáculo de variedades y otros tipos de música ambulante que era muy propia en el sur de los Estados Unidos de América.




Con el devenir y el posicionamiento del Blues, se verifica la consolidación de las bases maestras y estructurales de esta música, tales como los arreglos, los solos, las introducciones, y la llamada y respuesta, las mismas que adquirieron carácter estandarizado y profesional.



No solamente variaron los contenidos del Blues, también cambiaron las formas, por ejemplo, la versión masculina en el country blues, tendrá como seria competidora en el género hermano del blues clásico a la versión femenina; que hizo valer la diferencia entre sexos, el gran tema importante y muy recurrente en el espíritu de las modernas letras de blues.






El Blues fue ascendiendo en movilidad social y cultural: del lejano campo agrícola, o de las sucias y peligrosas calles urbanas, o de las malolientes tabernas y lupanares, ascendió a mejores ubicaciones, tales como teatros, carpas de espectáculos, barracones populares o salones de actos, y ya era un preferido en el espectáculo de masas, condición que se consolida y se dispara o despega con las grabaciones técnicas e industriales del blues, vale decir: la masificación musical se afinca y se expande y se consolida, por ejemplo, para 1920 la General Phonograph Company alcanzó ventas millonarias con la grabación de música blues a cargo de la artista negra Mamie Smith (6/5/1883, Cincinnati, Ohio – 16/9/1946, Staten Island, Nueva York), conocida como  la «primera dama del blues», fue además de cantante, bailarina, pianista y actriz norteamericana.





La diva negra Mamie Smith obtuvo en su debut y en el primer mes de su grabación, el respaldo de 75,000 discos vendidos, y para su primer año logró vender más de un millón de placas discográficas. Estos impactantes resultados en ventas efectivas y con dinero contante y sonante, convenció a muchos empresarios y a otras compañías disqueras a entrar con fuerza en este mercado incipiente del Blues, y que prometía anchas y gordas bolsas millonarias en ganancias.



No podemos dejar de mencionar y reseñar que los discos grabados por cantantes negros fueron llamados: “Los race records” (o mejor dicho, los discos de raza). Pero aun así, las grabaciones continuaron y continuaron, y las ventas iban viento en popa, solamente para acotar y abonar en este punto: que corriendo el año de 1926 se verificaron en toda Norteamérica, más de 300 grabaciones de blues y de gospel, donde destacaban gran mayoría de cantantes negras; y como quiera que el cómodo y razonable precio de 50 o 75 centavos de dólar por placa discográfica era muy accesible para las grandes masas, pues impulsaron rápidamente las ventas, y para 1927 el número de discos publicados para ventas ascendió de 300 a 500 unidades, y con mucho optimismo.



Los codiciosos empresarios y las voraces compañías disqueras sedientas de más ganancias económicas, no pusieron ningún reparo en invertir en los famosos, proactivos e inescrupulosos “cazatalentos” quienes iban a la búsqueda, ubicación y captación de músicos negros prometedores y con talento y futuro, y tanto fue así, que por ejemplo: los gerentes de diferentes industrias discográficas ordenaron y financiaron no menos de
700 expediciones solamente para Atlanta, y a fines de los dorados años 20’, peinaron de arriba hacia abajo, las ciudades de Memphis, Dallas y Nueva Orleans,  entre otras ciudades más, y muy visitadas en los conocidos viajes de los aludidos y audaces cazatalentos.




Gertrude “Ma” Rainey o Gertrude Malissa Nix Pridgett Rainey, conocida como Ma Rainey (Columbus, Georgia 26/4/1886 – 22/12/1939, Rome, Georgia), famosa cantante negra del blues clásico, y la pionera en hacerlo con acompañamiento de piano o con senda orquesta de jazz. Y era la encarnación de la nueva generación de profesionales cantantes del blues. Se inició junto a su esposo Will, la diva ‘Ma’ Rainey recorría el sur norteamericano presentando espectáculos de minstrels itinerante.




‘Ma’ Rainey se hizo muy famosa porque grabó generosamente y en la mitad de los locos años veinte; su inconfundible, potente y vibrante voz de contralto, quedó eternizada en más de un centenar de discos y sorprendentemente en menos de cinco años. A diferencia de los cantantes de country blues, quienes eran solistas por antonomasia, pues nuestra ‘Ma’ Rainey tuvo la suerte y la astucia de grabar con los más grandes músicos de jazz de su evo, tales como Louis Armstrong y Coleman Hawkins.



Bessie Smith (Chattanooga, Tennessee 15/4/1894 – Clarksdale, Misisipi 26/9/1937), conocida como la "Emperatriz del blues", fue la cantante más popular de los locos años 20’ y de los críticos años 30’ y por cierto, la cantante más influyente para las generaciones que la siguieron. De hecho, fue la protegida de la gran ‘Ma’ Rainey; y es que Bessie Smith a sus escasos nueve añitos de edad empezó a cantar y bailar en la dura calle a cambio de algunas monedas o propinas, y siendo jovencita, integró el espectáculo itinerante de la mencionada ‘Ma’ Rainey.





La voz extraordinaria y penetrantemente resonante de la gran Bessie Smith le abrió las puertas de la fama, no solamente eso, superó a la diva y su mentora ‘Ma’ Rainey en cuanto a la variedad y coloratura de su invención melódica, y en cuanto a su impresionante dominio de la extraordinaria afinación y en la profundidad expresiva y emotiva de su canto.



Cuando se independiza, la Smith es contratada para el circuito teatral de Milton Starr, es decir, cayó en las negras garras del otrora y tristemente célebre TOBA o el “Theatre Owner’s Booking Agency” (Agencia de Contratación para Empresarios Teatrales), donde los artistas negros eran cruel e indignamente explotados, por lo tanto la Smith se inició con una miserable paga de ínfimos e insultantes dos dólares y medio semanales, y era parte del conocido Pete Werley’s Minstrel Show.




Sin embargo, Bessie Smith esperaba su gran oportunidad y momento, conocedora de la calidad de su voz e interpretación del blues, fue así que para 1923 grabó la placa: “Down Hearted Blues” y gatilló así, su carrera musical directo a la fama y al estrellato; este disco vendió más de medio millón de placas en breves meses, y como no podía ser de otra manera, la Smith empezó a grabar regularmente, y ahora sí, actuaba pero cobrando altos honorarios que alcanzaban hasta los dos mil dólares semanales.



El Blues no solamente era lamento y queja y dolor, también algunas de sus letras al igual que la música cubana tenían doble sentido sexual, y precisamente ese filo de la navaja no gustó a determinado público norteamericano,  si bien es cierto que coadyuvó para la rápida venta de discos, también es cierto que el Blues recibió execraciones, y Bessie Smith estuvo en el ojo de la tormenta, ya que ciertos sectores sociales y religiosos de la clase media negra sobre todo, condenaba ese lado ‘cuestionable’ del Blues.



Entre 1910 y 1930 aparecen las primeras partituras de consumo popular del Blues, bajo la influencia de compositores del neoyorquino barrio de Tin Pan Alley, donde se agrupaba asimismo, la industria musical de liderazgo nacional, Tin Pan Alley significaba en su momento de oro: la propia industria de la música popular y comercial.


Tin Pan Alley ostentaba compositores como W. C. Handy o William Christopher Handy (Florence, Alabama, 16/11/1873 – 28/3/1958, Nueva York), quien fuera compositor y músico de blues, y hasta fue considerado como "The Father of the Blues". Handy fue uno de los compositores más influyentes de los Estados Unidos, y como quiera que era natural de Alabama, se inspiraba en sus años mozos recordando la troupe itinerante de minstrels cuando componía blues, fueron muy populares sus canciones “Memphis Blues” (1912), “St. Louis Blues” (1914) y “Beale Street Blues” (1916).



W.C. Handy se trasladó a Nueva York para 1917, destacándose no solamente como compositor, sino también como defensor de la música popular afroamericana, y obviamente  como intérprete musical, así como editor musical y dueño de una compañía discográfica.




Bessie Smith se benefició con muchas buenas composiciones de W.C. Handy, y además estableció sólidos vínculos con el jazz, dejando valiosas grabaciones con los grandes maestros Louis Armstrong, Benny Goodman, Coleman Hawkins, James P. Johnson, Jack Teagarden y Fletcher Henderson, entre otros.

(Fin de la cuarta parte)




Lima,  21 de junio del 2016


Jaime Del Castillo Jaramillo

Abogado egresado de la U.N.M.S.M. con más de 25 años de ejercicio profesional y cuenta con estudio jurídico abierto; politólogo con más de 20 años de ejercicio profesional; periodista, fundador y director del programa radial y televisivo ‘Yo, Sí Opino’ (censurado en TV y cerrado cinco veces en radio); Maestría en Ciencia Política con la tesis “Pensamiento Político peruano insuficiente y epidérmico causa de nuestro subdesarrollo político”; Post Grado internacional en Ciencia Política otorgado por la UCES – Universidad de Ciencias Empresariales y Sociales de Buenos Aires-Argentina graduado con la tesis: “Crisis terminal de los Partidos Políticos en el Perú”; catedrático universitario de ‘Historia del Pensamiento Político”, “Filosofía Política”, “Metodología de la investigación en Ciencia Política”, “Realidad Nacional”; “Análisis Político”, “Ciencia Política”, etc.; blogger, comunicador social, articulista y conferencista.
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lunes, 20 de junio de 2016

Audios de “Salsa con Causa” del Dr. Jaime Del Castillo, emitido el lunes 20/06/16 por Mambo Inn Radio, la mejor marca en el estudio, difusión y culto de la Salsa y del Latin Jazz en Perú, ganadora absoluta de premios internacional de Salsa 2015: “Extravío” conocido vals criollo de la autoría de Miguel Correa Suárez, a ritmo de salsa que canta Willy Cadenas, con la orquesta de Tito Chicoma; “El bembé” canta Frankie Nieves y su orquesta, en los inicios del boogaloo y la salsa dura en New York; “Sangre del Barrio” canta Manny Román, con la orquesta de Bobby Matos, típico sonido de la salsa dura de New York en los inicios de fines de los 60’ y comienzos de los 70’; “La Pela” canta el gran cantante de los cantantes Pablo Lebrón, con la orquesta The Lebron Brother; “Mi guajira son” canta José Antonio Rodríguez, con Sierra Maestra, en homenaje al ciego maravillo Arsenio Rodríguez de Cuba, el verdadero papá de la salsa; “Ariñáñara” autoría Chano Pozo, interpretan los maestros Terence Blanchard con la orquesta de Poncho Sánchez, ganadora del mejor álbum de Jazz Latino; “Yaré Yaré” autoría de Chano Pozo, canta Paquito Alvarez con Mario Ortiz All Stars Band, donde se hace una imitación de la orquesta de Tito Puente con su cantante Santos Colón; “Desastre” tremendo bolero de Luis Marquetti, que canta 'Papote' Jiménez, con el conjunto Los Hacheros de New York; “Pachanga Medley” canta pésimo Bobby Cruz, con la orquesta de Richie Ray; “Sal Primero” con la orquesta de Cuchón; “Así fue que nació el son” canta el gran sonero cubano Gene Hernández; “Vete de mi camino”, canta Manuel 'Mulatico' García, con el grupo Karakhol de Vicente Gómez, de Perú; “Para que gocen” canta Sammy Ayala, con Gilberto Sextet; “No llores corazón” canta Junior Toledo, con la orquesta de Willie Rosario; “Me voy pa' la rumba” con Latin Vibe; “Mosaico N° 1” canta Oscar D'León con la Dimensión Latina, la perfección musical salsera en materia de trombones; “Flamenco Olé” interpreta Joey Pastrana; “Soy Sonero” canta Miguel 'Chito' Sanjurjo, con la orquesta de Javier Vasquez; “Que dicha siento” canta Eduardo 'Edy' Gual, con el Conjunto Universal; “Hay un run run” canta Hector Casanova; “Rumbambola” interpreta la orquesta Harlow; “Sabrosura” canta Kike Hernández y Melcochita, con la Sonora de Nelson Ferreyra; y mucho más




Audios de “Salsa con Causa” del Dr. Jaime Del Castillo, emitido el lunes 20/06/16 por Mambo Inn Radio, la mejor marca en el estudio, difusión y culto de la Salsa y del Latin Jazz en Perú, ganadora absoluta de premios internacional de Salsa 2015: “Extravío” conocido vals criollo de la autoría de Miguel Correa Suárez, a ritmo de salsa que canta Willy Cadenas, con la orquesta de Tito Chicoma; “El bembé” canta Frankie Nieves y su orquesta, en los inicios del boogaloo y la salsa dura en New York; “Sangre del Barrio” canta Manny Román, con la orquesta de Bobby Matos, típico sonido de la salsa dura de New York en los inicios de fines de los 60’ y comienzos de los 70’; “La Pela” canta el gran cantante de los cantantes Pablo Lebrón, con la orquesta The Lebron Brother; “Mi guajira son” canta José Antonio Rodríguez, con Sierra Maestra, en homenaje al ciego maravillo Arsenio Rodríguez de Cuba, el verdadero papá de la salsa; “Ariñáñara” autoría Chano Pozo, interpretan los maestros Terence Blanchard con la orquesta de Poncho Sánchez, ganadora del mejor álbum de Jazz Latino; “Yaré Yaré” autoría de Chano Pozo, canta Paquito Alvarez con Mario Ortiz All Stars Band, donde se hace una imitación de la orquesta de Tito Puente con su cantante Santos Colón; “Desastre” tremendo bolero de Luis Marquetti, que canta 'Papote' Jiménez, con el conjunto Los Hacheros de New York; “Pachanga Medley” canta pésimo Bobby Cruz, con la orquesta de Richie Ray; “Sal Primero” con la orquesta de Cuchón; “Así fue que nació el son” canta el gran sonero cubano Gene Hernández; “Vete de mi camino”, canta Manuel 'Mulatico' García, con el grupo Karakhol de Vicente Gómez, de Perú; “Para que gocen” canta Sammy Ayala, con Gilberto Sextet; “No llores corazón” canta Junior Toledo, con la orquesta de Willie Rosario; “Me voy pa' la rumba” con Latin Vibe; “Mosaico N° 1” canta Oscar D'León con la Dimensión Latina, la perfección musical salsera en materia de trombones; “Flamenco Olé” interpreta Joey Pastrana; “Soy Sonero” canta Miguel 'Chito' Sanjurjo, con la orquesta de Javier Vasquez; “Que dicha siento” canta Eduardo 'Edy' Gual, con el Conjunto Universal; “Hay un run run” canta Hector Casanova; “Rumbambola” interpreta la orquesta Harlow; “Sabrosura” canta Kike Hernández y Melcochita, con la Sonora de Nelson Ferreyra; y mucho más, en nuestros comentarios, críticas y posiciones; y no te olvides que estás invitado a unirte a nuestro grupo salsero, entra a la siguiente dirección electrónica en Facebook, https://www.facebook.com/groups/824597710920059/        
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